Греческий дворик (зал 14) — один из самых больших и красивых залов Главного здания музея. В нем представлены слепки с сохранившихся статуй и рельефов Парфенона (447–432 гг. до н.э.), с южного портика Эрехтейона и портика храма Гефеста на афинской агоре, а также макет Афинского Акрополя.

Если вы хоть раз были в этом зале, то наверняка обратили внимание на две полуфигуры быков. Это слепок огромной композитной капители колонны из зала приемов во дворце аудиенций Дария I в Сузах (современный Иран). Такие декоративные элементы, изображающие переднюю часть тела животного, называют протомами. В Ахеменидском Иране ими украшали капители и ритоны (ритуальные сосуды), которые зачастую изготавливали из драгоценных металлов. Полфигуры быков, образовавшие капитель, были важны не только семантически, они выполняли функцию несущего элемента конструкции. В так называемое седло (пространство между шеями быков) устанавливалась деревянная балка перекрытия, поперечная балка же располагалась на головах быков и дополнительно фиксировалась рогами животных.

Слепок с ахеменидского памятника расположили в Греческом дворике из-за его размера. Столь монументальный экспонат мог поместиться еще только в Итальянском дворике, но стал бы там чужеродным. Здесь же он на своем месте. Ахеменидское искусство отличается особенным синкретизмом, обусловленным как стремлением правителей державы объединить полиэтническое население страны и подчеркнуть идею наследования предшествовавшим культурам, так и привлечением многочисленных иноземных мастеров, среди которых были и греческие. Этой паре полуфигур быков присущи черты и ассирийского, и египетского, и греческого искусства. Чтобы убедиться в этом, можно сравнить капитель с памятниками из соседних залов музея.

Капитель в виде пары полуфигур быков из дворца аудиенций эпохи Дария I в Сузах (Иран). Слепок, гипс. Подлинник: ахеменидский Иран, около 510 года до н.э.; известняк; хранится в Музее Лувра, Париж.

3 октября 1867 года родился Пьер Боннар — французский живописец и график. В историю искусства Боннар также вошёл как один из основателей группы «Наби» — художественного объединения, сочетавшего принципы символизма и модерна, с характерной для него тягой к монументальности и декоративности. Творчество художника высоко ценил Иван Абрамович Морозов.

Пьер Боннар отмечал, что «живопись должна быть по преимуществу декоративной». Пейзаж «Лето в Нормандии» подтверждает это высказывание. Главным выразительным средством Боннара становится красочное пятно. По мере всматривания в картину начинают различаться сидящие в креслах женщины, спрятавшиеся от жары, собачка. Затем взгляд отмечает зеленый берег, реку, легкие облака на светлом небе.

Боннар писал: «Когда я и мои друзья решили нести открытия импрессионистов дальше, мы стремились отойти от их натуралистических представлений о цвете. Искусство не то же самое, что природа. Мы все были за более строгую композицию. Нам также казалось, что можно гораздо лучше распорядиться цветом как средством выражения». Мастер считал, что картина — это прежде всего «чередование пятен, которые соединяются друг с другом и в конечном счете создают объект, так чтобы глаз прогуливался, не встречая препятствий».

В подобном отношении к цвету проявляется увлечение художника японским искусством, из-за которого друзья прозвали его «Наби-японцем». Из него Боннар заимствовал и приемы композиционных построений своих картин: размещая фигуры силуэтными пятнами по бокам, он часто оставлял незаполненным большое пространство в центре.

Увидеть и оценить увлечение Боннара японским искусством можно в постоянной экспозиции Галереи искусства стран Европы и Америки XIX-XX веков.

#Пушкинскийэкспозиция

На многих полотнах голландцев XVII века представлены так называемые концерты. Но если присмотреться внимательно, то можно заметить, что играют не профессиональные музыканты, а простые люди, которые в свободное время собираются вместе для того, чтобы музицировать в свое удовольствие. В Голландии было принято проводить время в уютной комнате, где члены семьи играли на музыкальных инструментах, читали вслух Библию или же занимались рукоделием.

Считалось, что исполнение музыки и хоровое пение духовно возвышают. Голландские художники часто использовали эту тему, изображая увлеченных музыкой представителей разных сословий.

Адриан Янс ван Остаде, мастер «крестьянского» бытового жанра, в своей работе «Флейтист» изобразил простого крестьянина в скромном жилище, играющего незатейливую мелодию на флейте. Он внимательно смотрит в ноты, лежащие перед ним на стуле. Его руки, привыкшие к этой работе, бережно касаются инструмента. Благородный, приглушенный колорит картины дает зрителям возможность услышать эту мелодию, стать свидетелями того, как простой деревенский житель в краткие моменты отдыха превращается в музыканта.

В противоположность картины Остаде на полотне «Пирушка» харлемского мастера первой трети XVII века мы видим нарядных зажиточных горожан в доме, на стенах которого развешены музыкальные инструменты. В это время в Голландии появляются бюргерские содружества любителей музицирования, способствовавшего сближению людей и вносившего оживление в их жизнь. В богатых домах играли на клавесине, комнатном органе, лютне и верджинеле (разновидность небольшого клавесина).

Увидеть увлеченных музыкой голландцев XVII века можно в постоянной экспозиции Главного здании музея.

Выставку «Не только Брейгель» в Главном здании теперь можно увидеть до 9 ноября.

В центре внимания выставки — крупнейший в Европе издательский дом «На четырех ветрах» (1550–1570) и его создатель Иероним Кок, художник и гравер. Всего издательством было выпущено более 1400 наименований эстампов на разные темы.

В экспозиции представлены работы, позволяющие составить наиболее полное впечатление о мировоззрении человека XVI века: от зарисовок римских руин до аллегорий смертных грехов в образах причудливых созданий.

Мы подготовили программу к выставке, чтобы вы могли погрузиться в фольклорные мотивы гравюр по работам Питера Брейгеля Старшего и увидеть тот самый несовершенный мир, который художник показывал через произведения.

Разглядеть всех странных существ на гравюрах из цикла «Семь смертных грехов» теперь можно до 9 ноября в зале №31 Главного здания музея (Волхонка, 12).

Партнёр выставки — компания «Северсталь».

#Искусствографики